Recensione dello spettacolo La bottega del caffè in scena al Teatro Ambra Jovinelli dal 14 al 19 marzo 2023

È sempre stato obiettivo primario della commedia dell’arte quello di ritrarre l’umanità in tutti i suoi pregi e difetti, nei vizi e nelle virtù, nei valori e nella mediocrità e le opere di Carlo Goldoni non fanno eccezione. Considerato non a torto il padre della commedia moderna, Goldoni ha dato vita alla sua poetica rimaneggiando e revisionando le leggi della commedia dell’arte. Tutto il materiale necessario alle sue commedie, infatti, lo ha tratto direttamente dalla sua esperienza personale, da situazioni, personaggi e avventure legate ad accadimenti concreti, tanto che passioni, costumi e mode rappresentate nelle sue opere riflettono direttamente la vita vera. Ciò è tanto più evidente in questa “Bottega del caffè” messa in scena al Teatro Ambra Jovinelli di Roma: il regista Paolo Valerio dirige uno spettacolo corale in cui nessun personaggio diventa protagonista assoluto, ma concorre a ricreare un complesso affresco della realtà odierna.

All’interno di una scenografia che ritrae in modo veritiero e rispettoso la Venezia del Settecento grazie all’accurato allestimento di Marta Crisolini Malatesta, si muovono i nostri personaggi vestiti rigorosamente in costume, fedelmente riprodotto in tutta l’eleganza e la ricercatezza dell’epoca da Stefano Nicolao. Ogni protagonista ha un compito e un ruolo ben preciso, cioè quello di impersonare un vizio o una virtù dell’essere umano: non a caso la platea dell’Ambra Jovinelli è accolta inizialmente da maschere danzanti sotto le quali si nascondono le migliori e le peggiori qualità dell’umanità. Dal sempreverde vizio del gioco, praticato dal mercante Eugenio, alla corruzione del cinico Pandolfo fino all’onestà del caffettiere Ridolfo, si crea un microcosmo animato dalle diverse dinamiche che si instaurano tra i personaggi, che litigano, si aiutano e si impicciano delle altrui questioni.

Recensione dello spettacolo La madre, in scena al Teatro Quirino dal 14 al 26 marzo 2023

Il tema de “La madre” è una sorta di manifesto femminile che andrebbe letto in una carta dei diritti delle donne, quando queste diventano madri. La maternità è tema diffuso nei testi teatrali, così come è diffuso il tema di una mancata rinuncia alla maternità, allo strappo del distacco dai figli, doloroso e irrisolvibile, se la donna in questione non ha praticato un lavoro su se stessa e sulla “costruzione” di “altre vie” oltre a quella della maternità. Nulla di nuovo, se non fosse che il testo di Zeller ne indaga tutte le derive patologiche.  

Anna, la protagonista, interpretata da Lunetta Savino, è incatenata a tal punto nel suo ruolo di madre e di moglie tradita, ma che ha tradito anch’essa attraverso il suo insano amore per il figlio, sa sdoppiarsi in scena, in vari piani narrativi, che riproducono il racconto in una serie di realtà costantemente alternate. La resa è a tratti straniante, e credo che sia questo l’obiettivo del regista Marcello Cotugno. La stessa recitazione è spesso alienante, come se nel dramma psicologico della donna cadessero uno alla volta tutti i protagonisti. Il marito, interpretato da Andrea Renzi, il traditore, a volte profondamente solo, a tratti disilluso, sempre incatenato nei ricatti morali di una moglie che palesemente non lo ama più, seppure lo ha mai amato. Il figlio, un giovane e virtuoso Niccolò Ferrero, che non ha soluzioni contro una madre che lo ama troppo, se non la fuga, o l’omicidio (e non solo metaforico). La fidanzata del figlio, interpretata da  Chiarastella Sorrentino, il mostro che allontana il bene amato da Anna e che per un gioco di ruoli assume le vesti anche dell’ amante del marito. 

Uno spettacolo riuscito in parte, che regge  sulle spalle dei tre interpreti.

L’Ert, Ente teatrale regionale, propone nella rete dei teatri del Friuli Venezia Giulia il nuovo spettacolo di Veronica Pivetti: ‘Stanno sparando sulla nostra canzone’, in scena presso l'Auditorium Alla Fratta, San Daniele del Friuli.

Ci dicono si tratti di una black story musicale. In effetti è una situazione narrativa in un  atto,  di poco più di un’ora, nella quale Giovanna Gra racconta la storia  di Jenny, Nino e Micky, con il supporto delle musiche di Alessandro Nidi. Francamente  il risultato fa pensare immediatamente ad un genere teatrale musicale in voga dal diciottesimo secolo: il pastiche.

Si trattava di un canovaccio,  spesso debole drammaturgicamente, che univa, attraverso una trama amena e generalmente comica, una sequenza di brani musicali famosi.  Normalmente erano  i cavalli  di battaglia degli interpreti, il più delle volte grandi nomi del palcoscenico che stavano avviandosi sulla via del tramonto. Alcuni di questi lavori sono entrati nel repertorio, come ‘La Prova di un’opera seria’, di Francesco Gnecco, con cui salutò le scene una fuoriclasse dei soprano come Leyla Gencer. Di  fatto questo genere ha  aperto la via alle ‘Serate d’onore’ che hanno animato la vecchiaia di tante colonne del teatro nostrano.